Arte Contemporáneo

Arte Contemporaneo
Introducción
El presente trabajo tiene como objetivo dar a entender los distintos conocimientos conforme al tema de arte contemporáneo y el arte modernista  de forma sercana y mostrar algunos de los exponentes más influyentes de esos 2 temas, de la misma manera mostrar algunas técnicas,diferencias, obras desde la perspectiva desde el emisor con el oyente mostrando así como se presenta hoy en día como se llega a tener un parentesco a alguna características como pinturas, tonalidades, procedimientos, técnicas, herramientas y de forma arquitectónica mostrar como se presenta en lugar e como casas, edificios, etc.

Desarrollo 
Arte modernista 
El modernismo surge por la evolución del eclecticismo y el historicismo. Es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. El modernismo es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla a caballo entre los siglos XIX y XX.
El modernismo deja de lado las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo característico del modernismo, sino la profusión de motivos decorativos.
La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir en la arquitectura actual, la de los años 80 y 90 de siglo XX.

El modernismo como tal, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor Horta, aquí se llama art nouveau. Henry Clemens van de Velde (1863-1957) es uno de los primeros modernistas. Construye la casa Bloemenwert, pero lo más interesante es el diseño de su decoración. Tiene influencias del expresionismo alemán, y son típicos sus tejados ondulados. Víctor Horta (1861-1947) es el más puro de los modernistas, y el más representativo. También son típicos sus tejados ondulados así como sus fachadas, que provocan un juego de luces y sombras muy decorativo; que recuerdan al barroco.

 Descubre las posibilidades del hierro, en el que crea grandes forjas. Los elementos decorativos de su arquitectura se curvan, asemejando la vegetación natural. Obra suya es la escalera de la calle Paul-Emile Janson en Bruselas, y múltiples kioscos de hierro y bocas de metro lujosamente decoradas. También hizo la casa Solvay en Bruselas. Lo más característico de esta casa son sus interiores lujosamente decorados y muy recargados, con lámparas, papel pintado y vidrieras; todo de diseño. Otras obras suyas son las casas Tassel, Solvay y del Pueblo, el palacio de Bellas Artes, en Bruselas y el Gran Bazar de Fráncfort.

El modernismo: Pintura y escultra

El papel pintado, reproducido en grandes cantidades por la industria, se usó para recubrir las paredes, y algunos pintores modernistas se ocuparon de él. El modernismo es un arte muy caro, al que sólo podía acceder la burguesía, y por lo tanto refleja el gusto burgués. Se caracteriza por el color, la fantasía y la riqueza, con un toque esnob y hortera.

El cartel es el otro gran motivo modernista. Sirve para anunciar los espectáculos a los que asiste la burguesía, pero también de propaganda política e ideológica, y de anuncio de productos industriales. El gran cartelista es Toulouse-Lautrec, que ejercerá su influencia durante mucho tiempo.

La arquitectura es el arte donde se engloban todas las artes, y todas están subordinadas a ella: rejería, cerámica, escultura y, por supuesto, pintura. Su sentido decorativo le lleva a potenciar el dibujo geométrico y la decoración abstracta. No existe una clara separación entre artes mayores y menores, por lo que la cerámica, la orfebrería y el diseño de muebles entran dentro del arte modernista con pleno derecho.

La escultura

Curiosamente, la escultura modernista no está muy desarrollada, en realidad se trata de un uso de la escultura simbolista en los edificios modernistas. Trabajan para los arquitectos todos los grandes escultores, pero la escultura no tiene cabida dentro de una casa. Sí destaca, en cambio, el diseño de joyas y muebles y las porcelanas, en las que destaca Lambert Escalé, Busto, y Pierre Roche.

Arte contemporaneo
El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un  concepto que se utiliza para denominar de manera general a las expresiones artísticas originadas durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero esto es dependiendo de la persona que hable de él ya que hay varias formas de entender este concepto. Para algunas personas este concepto surgió en las última década, para otros este concepto se creó en la Segunda Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo depende de quién utilice este concepto ya que mucha diversidad de opiniones en el orige

Género banguardias 

El fauvismo: se identifica por la  sustitución de la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo.

El impresionismo: se valora los contenidos y las actitudes emocionales, es una expresión del propio yo, con una composición desgarrada y un color más violento y contenidos simbólicos. 

El cubismo:  se destaca por la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de perspectiva que se basa en la multiplicidad de los puntos de vista. Tiene una primera etapa llamada cubismo analítico, donde los artistas buscaban la descomposición de las formas tridimensionales en elementos geométricos y una segunda etapa llamada cubismo sintético que se desarrollan experiencias con el collage.

El futurismo: es un estilo llamado cubismo dinámico porque los artistas se interesaban por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición rítmica de líneas e imágenes.

El neoplasticismo: tiene un método que parte de la utilización de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios, los artistas quieren destacar la bidimensionalidad de la superficie para expresar su ideal basado en la pureza del arte.

Conclusión  
Se llegó llegó la conclucion de que el mismo arte entre los dos van do contienen distinta variaciones cuyo uso depende  del uso o acción que se le quiera dar conforme todo el tema de de la percepción del ser humano con cosas abstractas sin ningún tipo de forma pero ayudándose con la teoría del color cuya persepcuon del color llega a va conforme al saber que la grnabariacion de color depende mucho ya que es la primera acción quemas puede mostrar en toda la gente osea jugará con la perspectiva y colores llamados gama de colores los cuales se llegan a dividir entre cálido y calientes . También se llega a presentar en algunas estructuras (de forma interna).


https://profeanacob.wordpress.com/2016/12/18/escultura-modernista-josep-llimones/ EN 18 DICIEMBRE, 2016PORPROFEANACOBEN 04. MODERNISMO. ART NOUVEAU, ESCULTURA

An. Inst. Investig. Estét vol.39 no.110 México mar./jun. 2017

http://dx.doi.org/10.22201/iie.18703062e.2017.1.2592 

Renacimiento

Renacimiento
Introducción
En el preesente trabajo se podra mostrar y observar algunas caracteristicas del renancimiento. Llamamos Renacimiento a un período de la historia de la humanidad que se extiende en Europa durante los siglos XV y XVI. Italia, cuna del arte renacentista, ve los inicios de esta nueva era un siglo antes: en el siglo XIV, mientras otros países aún estaban despertando a un cambio de mentalidad, en el período conocido como “Ars Nova”.
El término “Re-nacimiento” hace referencia al verbo “re-nacer”. ¿Qué es lo que renace? Después de casi diez siglos de mentalidad cerrada, centrada en refugiarse en Dios como “remedio” para los males de la época (enfermedades, hambre, muertes), la humanidad, cansada de vivir de esa manera, vuelve su mirada hacia los ideales de la cultura clásica (Grecia y Roma) como modelos de perfección. Grecia, cuna de la democracia y de la filosofía, era el mejor maestro. La visión teocéntrica del mundo, característica de la Edad Media, se transformará en una visión antropocéntrica (el hombre –la persona– como medida de todas las cosas).

Desarrollo
Un primer Renacimiento o (Quattrocento), que se refiere al arte creado en Italia a lo largo del siglo XV. Muy ligado a Florencia, la Florencia de los Medicis, y al movimiento cultural del humanismo. El Quattrocento no surge de la nada, es heredero directo del arte italiano del siglo XIV (Trecento) una etapa de transición en la que todavía en un contexto medieval, empiezan a desarrollarse valores propios del arte renacentista.

CARACTERÍSTICAS GENERA6LES

• Recuperación de los órdenes clásicos
• Generalización del uso del arco de medio punto, combinándolo con bóvedas de cañón, cúpulas y cubiertas adinteladas
• Planta rectangular, predominando la horizontalidad, todo ello en torno a la escala humana, protagonista del momento
• Gran importancia de edificios religiosos (iglesias y capillas), ganando protagonismo los edificios civiles (palacios)
• Nuevos elementos decorativos: pilastras, medallones, grutescos

Cúpula de la Catedral de Florencia

El Renacimiento clásico o (Cinquecento), cuyas manifestaciones esenciales tienen lugar durante las dos primeras décadas del siglo XVI. Representa la madurez del sistema artístico desarrollado durante el Quattrocento. El centro fundamental de esta etapa es la Roma pontificia, que busca equipararse en términos simbólicos a la antigua Roma imperial, aunque bajo el signo del cristianismo.

Los pintores tienen el dominio de las técnicas y hacen obras de elevada calidad que reflejan un sentido de belleza y nobleza.Así se llama Alto renacinmiento.

Y por último, el (Manierismo), que va a perdurar hasta finales del siglo XVI, en los que la distorsión formal, la sofisticación de la imagen y el capricho son elementos habituales. Un ejemplo de libertad y creatividad de gran pureza.

En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.

En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, auque no cumplen una función arquitectónica.

La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

Arte del Renacimiento

Esta etapa representó un despertar para la humanidad en términos culturales. Las obras surgidas durante este período son los principales exponentes de la belleza y los trabajos intelectuales que el ser humano es capaz de producir.

El movimiento se basó principalmente en una combinación de los aspectos medievales de la época y las ideas modernas que empezaron a surgir a principios del siglo XV. Exponentes(Clasicismo y realismo, Manierismo, Catolicismo).

Arquitectura: Las ideas de los arquitectos renacentistas iban en contra de las ideas góticas de crear estructuras con un alto nivel de complejidad en su diseño y gran altura. En cambio, se apegaban a las ideas clásicas de elaborar estructuras limpias que fuesen lo más simple posibles. Esto conllevó a la creación de arquitectura redondeada.

Edificaciones

Las edificaciones más comunes de la época eran las iglesias, las mansiones urbanas y las mansiones exclusivas de zonas campestres. Muchos de los diseños más conocidos de la arquitectura renacentista fueron creados por el artista italiano Palladio.

Escultura: Apego a lo clásico

Tal como la pintura, la escultura renacentista generalmente estaba definida por las mismas características que tenían las esculturas previas a la Edad Media.

Los rasgos de cada una estaban claramente inspirados por la escultura clásica y se buscaba encontrar un mayor grado de realismo en cada obra mediante un tallado anatómicamente proporcionado.

Conclusiones:
Como se puedo observar en la siguiente información fue dar a entender un poco de la gran variabilidad que tiene el renacentismo y cuyo valor a dado paso a las siguientes épocas, culturas de formaen la que se a llegado a demostrar en su cultura, pintura, escultura y arquitectura. Esta se llega a mostra conforme a la perspectiva que se desee ver como algunas imágenes pintadas del Manierismo cuyo uso era dar a entender como de doble sentido una imagen jugando haci con la perspectiva de cada persona llevando acabo su logro osea dando a entender lo que quería hacer.


Javier albelo 18 de diciembre del 2014
Andrea Imaginario https://www.significados.com/autor/andrea-imaginario/

1957, Catálogo Monumental de España. Zaragoza, Madrid, Instituto «Diego Velásquez» del C.S.I.C., 2 vols.
ACERETE TEJERO, J. M., 1994-1995, «La sillería del coro de la iglesia de San Martín de Tours de Uncastillo», Suessetania, 14 (Ejea de los Caballeros), pp. 32-49.
Aragón. Pintura y escultura, 1540-1580, Tarazona, Centro de Estudios Turiasonenses e Institución «Fernando el Católico».
Español y Literatura 10mo grado (2009) / Rivero Casteleiro, Delia E. /et al/ La Habana: Ed. Pueblo y Educación

Estilo Gótico

Estilo Gótico

Introducción 

En el presente trabajo se pretende demostrar y enseñar el estilo gótico se ve favorecido por una intensa actividad urbana y comercial, que convertirá a las ciudades en potentes focos culturales. Es aquí donde aparecerán las universidades que poco a poco se liberarán de la tutela de la Iglesia y se abrirán a todos los ciudadanos. La actividad comercial es potenciada a partir del siglo XIII, tras las Cruzadas que permiten abrir nuevas rutas comerciales hacia oriente hasta entonces en manos musulmanas. Se desarrolla un comercio creciente y una industria artesanal que se concentra en las ciudades. En ellas se van configurando los gremios y los burgos.

Aparece una burguesía urbana, una nueva clase triunfante que desarrollará un arte urbano, de una sensibilidad más realista y más naturalista. El edificio más emblemático será la catedral.

Con el desarrollo de las ciudades aparece una arquitectura civil. Los edificios más característicos serán los palacios urbanos y los edificios municipales como ayuntamientos y lonjas.

Desarrollo 

El arte gótico es un estilo fascinante debido a que en él se unifican el arte y una nueva teología que surgía en Europa hacia el año 1100.

Algunos historiadores de la Ilustración veían este estilo como expresión de una época oscurantista, pero el arte gótico fue una sobre todas las cosas. En él se manifestó el humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista.

(Humanismo teocentrico)

1600-Los Cristianos se dividen de Europa.

1700-Las filosofías relacionadas se ponen en discusión la esencia misma del cristianismo.

1800-Las ideologías liberales o socialistas de trasfondo científico tienen un desarrollo religioso.

1900-Se difunde la religión Atea.

El gótico tuvo su inicio en la Baja Edad Media, en Francia, desde donde se irradió al resto de Europa. Cada país, sin embargo, incorporó elementos de su cultura y así en cada uno adquirió características particulares. 

Conozcamos algunas de las características más distintivas del arte gótico, así como los acontecimientos históricos, los valores y las obras que lo convirtieron en un arte eterno.

Entre sus expanciones se constituyó de tres formas:

Gótico temprano-Se enfocó más a una construcción religiosa.

Gótico clásico-se eliminan aspectos románticos.

Gótico radiante-Se enfoca en cosas más pequeñas y detalladas.

Arquitectura-La escultura gótica se presentó a la par de la Arquitectura gótica, durando alrededor de 300 años, y generalmente se integraba a la arquitectura y sus construcciones. Este tipo de esculturas fueron destruidas por considerarse contrarias a la cultura renacentista por lo que sufrió grandes daños, pero esto no llegó a acabar con ella, quedando vestigios considerables. 

 Esta escultura siguió su precedente románico, pero una negativa relativa hacia lo gótico y el concepto de gótico por los godos y por ser considerados bárbaros encausó el daño ya mencionado.

En este sentido hay que mencionar a las famosas gárgolas de la catedral de Notre Dame.

En esta época, la arquitectura resalto de manera muy significativa, ya que fue impulsada por las creencias religiosas que suponían que las esculturas altas te acercaban más a Dios y así conseguir la Indulgencia.

La escultura mediante el concepto naturalista del gótico se pretende representar el mundo visible tal y como es. Se representa la naturaleza, y por tanto desaparece el anhelo simbólico Generalmente en la parte posterior eran colocadas criaturas mitológicas llamadas gárgolas que servían como una forma de protección contra el mal.

La planta carece de crucero de brazos salientes (aunque no deja de ostentarse más o menos la simbólica cruz de en medio), el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral. 

Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, de ahí que parezcan o tengan el aspecto de un gran salón.

(Arco Apuntado)

(Arco tudor)

(Arco conopical)

(Arco lobulado)

Las iglesias tenían arcos apuntados para dar significado de camino a la gloria; en el centro, por lo general, había vitrales que alumbraban los templos, caracterizados por los colores ocres. Los vitrales sustituyen a la pintura mural que se había desarrollado ampliamente durante el periodo románico pero que en el gótico quedó como un arte complementario.

El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa. Los murales de este estilo siempre contaban un suceso o historia acerca de la vida de Jesucristo o algún tema religioso.

Pintura- La pintura gótica se aplicaba en los llamados vitrales, que mediante fragmentos de vidrio de diversos colores representaban las imágenes que se deseaban expresar. En lo relacionado a la pintura esta se presentó principalmente en Italia, y como diferencia a la pintura románica, esta se tornó más obscura, en este sentido se aplica la denominada “naturalismo”, donde se expresaba lo más cercano a la naturaleza de las cosas, aunque no toma la belleza tradicional como guía, sino que en la pintura gótica se enfocaban en darle un aspecto religioso o místico. Otro aspecto destacable de la pintura gótica es la aplicación de la pintura en los muros, “murales” y sus técnicas son más claras y con mucho más técnica.

Conclusión

Como se pudo presentar en el presenta trabajo en el ámbito del estilo gótico nos podemos dar cuenta de como esta precente hoy en dia de forma de construcción y como se ve reflejada en unas cuantas construcciones religiosas tales como las iglesias y capillas de tal manera de sus adornos. 

Andrea Imaginario  https://www.culturagenial.com/es/arte-gotico-obras-caracteristicas/

Juana Moreno. Actualizado: 23 agosto 2017 https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/escultura-del-arte-gotico-caracteristicas-1988.html

Citado: (A. 2014,10. Características del arte gótico. Revista Ejemplode.com. 

Obtenido 10, 2014, de https://www.ejemplode.com/63-arte/3729-caracteristicas_del_arte_gotico.html)

Barroco

Barroco 
Introducción:
En el presente trabajo se dará muestra de la cultura barroca, en base a su arquitectura, pintura, escultura y materiales emplementados.
También intentar dar muestra de la importancia que ay hoy en día en la sociedad, y como se ve resaltada a comparación de otras culturas, también se va a mostrar unos cuantos ejemplos de (la pintura más sobresaliente de la época).

Desarrollo:
Analisis de la pintura barroca 
La pintura barroca fue un reflejo de los profundos cambios culturales y políticos que surgían en toda Europa. La pintura del barroco coincidió, hablando en términos generales con el siglo XVII, aunque en algunas áreas, especialmente en Alemania, algunos de sus logros no se produjeron hasta el siglo XVIII. Aunque el término abarcaba una variedad desconcertante de estilos, se caracterizaba típicamente por 2 cosas: una sensación de grandeza, más un contenido emocional manifiesto. Fue a través de estos dos elementos que los pintores barrocos intentaron evocar estados emocionales en el espectador apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática.

Que es la pintura barroca:
Es la pintura que esta relacionada con el movimiento cultural del periodo barroco (1600 a 1750). El movimiento muy a menudo se identifica con la contrarreforma, el renacimiento católico y el absolutismo expresados en diferentes artes.
Características de la pintura barroca:Además de las 2 características principales de la pintura barroca descritas anteriormente tambien destacan las siguientes:

• Fuerte contenido emocional, obras de artistas barrocos españoles como Ribera, Zurbarán, incluso Velázquez; debemos notar otras dos tendencias importantes pero contradictorias.
• Naturalismo o realismo.
• Clasicismo o “el ideal”. El naturalismo es mejor ejemplificado por Caravaggio (realismo por Jan Vermeer ); Mientras que el clasicismo es el principal impulso en las obras de Maestros Antiguos.como Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin y Claude Lorraine.
• Los arquitectos barrocos hicieron uso completo de las habilidades de pintura mural de pintores como Andrea Pozzo y Pietro da Cortona, cuyos techos con frescos de trompe l’oeil continúan inspirando hasta el día de hoy.

CARAVAGGISMO:

El temperamento de Caravaggio parece haber tenido una afinidad más estrecha con el carácter español que con el italiano, y Nápoles, que tenía estrechas conexiones con España en este período, y era también un centro de quietismo religioso, fue un centro clave de la influencia del caravaggismo

Las obras maduras de Francisco Ribalta (1565-1628) muestran la influencia caravaggesca; Las primeras pinturas de Velázquez (1599-1660) lo muestran, al igual que las de otros maestros españoles del siglo XVII, como Zurbarán (1598-1664). Pero su influencia se extendió mucho más lejos que España, aunque es allí donde se siguieron de cerca los modales del maestro. En Holanda, Gerrit van Honthorst (1592-1656) parece haber transmitido algo del uso dramático de claroscuro de Caravaggio a su gran compatriota, Rembrandt, mientras que en Francia el maestro algo misterioso, Georges de la Tour (1593-1652) fue un hábil, pero aparentemente aislado, exponente del ” tenebrismo “, como se llama este uso de sombras profundas proyectadas desde una única fuente de luz, para dar unidad a una composición. Adam Elsheimer (1578-1610) fue otro representante influyente de esta tendencia; aunque quizás solo vale la pena mencionar a este respecto el nombre del tenebrist inglés, Joseph Wright of Derby (1734-97). De los seguidores italianos de Caravaggio, los más destacados fueron Mattia Preti (1613-1669) y Domenico Fetti (1589-1624) mientras que Salvator Rosa (1615-1673) también napolitano, tiene afinidades con él por su gusto por el salvajismo y las escenas de poca vida, por los bandidos que luchan y se divierten entre paisajes salvajes y rocosos. Salvator es de particular interés por su importancia en el desarrollo del paisaje romántico; El genovés del siglo XVIII, Magnasco (1667-1749) tiene algo en común con él.

Características de la escultura barroca

• La escultura barroca fue principalmente utilizada para decorar las obras arquitectónicas de este periodo, tanto interna como externamente.
• En contraposición al orden que presentan las esculturas y en general las obras renacentistas, el barroco trabaja con composiciones menos organizadas sin tanto orden.
• Existe un elevado expresionismo de los rostros de las estatuas tratando de retratar sentimientos por medio de gestos, peinados, tensiones…
• Los escultores barrocos están obsesionados con lograr imprimir movimiento a sus obras, por ello se evitan las simetrías y se multiplican los pliegues, se emplea el contrapuesto como técnica para dotar de movimiento a las figuras y se busca lograr contrastes lumínicos.
• La temática habitual es la religión, ángeles, mártires, santos son habitualmente representados. En las esculturas paganas, héroes y dioses paganos suelen aparecer.
• Se emplea el mármol y el bronce como materiales.

Etapas de la escultura barroca Podemos dividir la escultura barroca en tres etapas principales:

Barroco temprano y alto barroco. 1600-1675

Dominados por la carrera de Bernini, el principal escultor del arte barroco. Su magnífico “Cathedra petri” que consiste en un trono rodeado de decoración escultural es el punto máximo en la escultura barroca y se caracteriza por su extravaganza. Otra de las estatuas destacadas de Bernini es el Éxtasis de Santa Teresa. Para saber más de Bernini.

Barroco tardío. 1675-1725

En el periodo de barroco tardío, fue Francia, y no Italia la principal fuente de escultura barroca y el centro cultural de Europa. La obra maestra de la arquitectura, el Palacio de Versalles fue decorado, tanto dentro de sus estancias como sobretodo por los jardines de palacio por numerosas estatuas de estilo barroco.

Rococó. 1725-1800

Es la fase final del arte barroco, se caracteriza por ser un arte muy dinámico y extravagante. Muy cargado y decorado, se caracteriza también por su dramatismo. Las obras rococó son suaves y juguetonas, la escultura de esta corriente artística floreció en Francia y fue especialmente bien adaptado a las estatuillas.

Palacio Real de Madrid

La arquitectura del Palacio Real de Madrid, es majestuosa, severa e imponente y por ello es una de las estructuras más importantes de Europa occidental y emblema del poderío de los reyes de España.
Por hallarse en el borde de la gran plataforma que en rápida pendiente baja hasta el Manzanares, constituída actualmente por los jardines privados del Campo del Moro, necesitó  su construcción un gran sistema de contrarrestos por sus fachadas norte y oeste y en esta última que construirse, además, escalonamientos abovedados interiores que forman dependencias diversas y llegan casi hasta el río.

Arquitectura del Palacio real

El alzado del Palacio se compone de un basamento almohadillado, que forma como un gran zócalo donde se abren las ventanas del piso bajo; sobre él, un entrepiso de cortas ventanas; el cuerpo superior corresponde a la planta noble y se adorna con columnas jónicas en los ángulos y pilastras dóricas en los paños intermedios entre las que se abren los grandes balcones de la salas principales, los cuales van adornados con guardapolvos triangulares y semicirculares, alternando. Un nuevo entrepiso se alza a continuación con vanos ciegos, pocas veces abiertos en ventanas pequeñas; sigue el último piso con ventanas rectangulares. 

El edificio termina con una cornisa muy saliente, con un ático también con ventanas al exterior, rematado con una balustrada de piedra blanca. Para colocar sobre ella, se esculpieron una serie de estatuas de Reyes de España, desde el Ataúlfo hasta Fernando VI, en mayor tamaño del natural, que habían de formar el coronamiento del Palacio, pero por temor a su gran peso fueron desechadas y hubieron de emplearse en el ornato de los alrededores de Palacio y otros lugares de España.
Toda la obra es de piedra, y en las fachadas se combinan el granito de Guadarrama, en los basamentos y muros lisos, y la piedra blanca de Colmenar para columnas, pilastras, cornisas, antepechos, balustradas, etc. resultando un bello contraste entre los grises del granito y los blancos de la caliza.

Fachada principal

La fachada principal del mediodía presenta cinco puertas y ante ella se extiende una gran explanada que luego consituyó la Plaza de la Almería. En el centro de la fachada, arrancando del ático, una especie de frontón rectangular se adorna con un gran reloj y a sus lados dos relieves representando el Sol recorriendo el Zodíaco. Sobre el balcón central, una representación de España triunfante (una matrona que personifica a España y a sus pies un anciano con barba, representación del río Tajo); en los balcones de ambos lados, relieves con frutas y animales. En la fachada norte, en el muro exterior de la Capilla, otro medallón con el Triunfo de la Iglesia (Cordero místico sobre el Libro de los siete sellos) y a los lados, San Andrés y Gedeón. Además en el centro de cada fachada, en la cornisa, un gran escudo con las armas reales. En la fachada de Oriente, en su centro, se abre otra puerta, la llamada del Príncipe.

Escalera principal
La escalera principal de peldaños de mármol de una piea (5 metros) obra de Sabatini, comienza con un solo ramal hasta un grano rellano en su parte media, dividiéndose entonces en dos brazos con balaustrada que se adorna con dos leones de mármol, obras de Roberto Michel (derecha) y Felipe de Castro (izquierda); cuatro grandes jarrones, también de mármol blanco, con relieves esculpidos de escenas y atributos de caza, decoran este rellano.

Conclucion 

Se llegó a la conclucion que este tipo de arte o estilo visual que se persive a primera vista es la de que intenta dar a mostrar un poco de colores tenues sin querer una gran atención sino un poco más de elegancia que se ve reflejada tanto en sus pinturas y las esencias que tiene presente en las paredes, asientos, candelabros, bordes de la puerta, espejos y ventanas, de la misma manera da va un poco de contexto a las demás personas que llegaban a estar adentro de una de esas estructuras las cuales imponían un mayor puesto social y económico cuyo valor sólo era atracción a la vista.

De la misma manera se llega a presentar en algunas construcciones como el casas, palacios y lo que se encuentra más sercano hoy en día las iglesias. 

Fecha de actualización: 26/09/2018. Cómo citar: "Barroco". En: Significados.com. Disponible en: https://www.significados.com/barroco/ Consultado: 19 de noviembre de 2019, 09:34 

Ecored https://www.ecured.cu/Barroco

Barroco". Autor: Julia Máxima Uriarte. Para: Caracteristicas.co. Última edición: 26 de octubre de 2019. Disponible en: https://www.caracteristicas.co/barroco/. Consultado: 19 de noviembre de 2019.