Nombre:La línea Verde
Autor: Henri Matisse
Año de presentación: Frencia,1905
Estilo:Fauvismo
Interpretación personal:Lo que llegue a persivir fue que la obra tienen unas tonalidades un poco tenues y sin un patrón que lo guíe o con un fin de expresión en el rostro de la mujer, y su compostura no muestra mucho solo su rostro sin niguna señal de muecas, no muestra emociones, tristesa, miedo, alegria, coraje, etc. Simplemente un rostro dividido a la mitad por una línea verde que va desde la frente hasta la barbilla un poco gruesa pero no afecta el rostro, en el lado izquierdo de la cara tiene tono color durazno y del lado derecho un color amarillento verdoso, Su vestimenta de la mujer tiene tonos sutiles, rojo, gris. Y enmla parte que los une (las costuras) tiene tonalidades negras y un pico descuidadas
Características de la obra:La mujer con raya verde es una de las obras más conocidas del artista francés Henri Matisse. La mujer retratada no es otra que la esposa del pintor, Amélie, representada con una estética que nos remite a la cultura japonesa. El rostro aparece dividido en dos mitades, separados por la famosa raya de tonalidad verdosa. Se ha retratado a una figura con el pelo recogido en alto, con una camisa de un fuerte carmesí sólo rota por el blanquecino tono del cuello en pico.
Las facciones de la mujer recuerdan a esta estética oriental, de ojos ligeramente almendrados y enmarcados por unas gruesas cejas. El fondo utilizado esta compuesto por tres tonos diferentes que recalcan ese estilo fauvista tan característico del pintor. En esta obra, Matisse deja constancia de su preocupación por la composición cromática más que por realizar un verdadero retrato de su esposa. Este intenso cromatismo provoca que la obra desprenda cierta frialdad, y que ciertos aspectos sean olvidados, como la luz, la profundidad, el modelado o la perspectiva, que apenas son apreciables en la obra.
El arte Fauvista o Fovista recibe su nombre de la palabra Fauve o fiera en español, haciendo referencia a la fiereza de sus tonalidades. Ese apodo despectivo fue dado por el crítico Louis Vauxcelles durante la exposición en la que el grupo de artistas que encabezaba Matisse presentó sus obras. Esta exposición recibió el nombre de Salón de Otoño, celebrado en París en 1905. El repudio de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París.
Historia de la obra:A comienzos del siglo XX Matisse posicionó a la cabeza de un nuevo grupo artístico que mezclaba las composiciones planas con el uso indiscriminado del color alejándose de la realidad, el fauvismo o fovismo. El termino fovismo fue adquirido por el grupo de artista que encabezaba Matisse después de que un crítico de arte los identificase despectivamente como “Fauves” o fieras.
En el Salón de Otoño celebrado en 1905 el artista presentó un conjunto de lienzos entre los que se encontraba este retrato de su mujer. Se trata de un pequeño retrato realizado con la técnica de óleo sobre lienzo de 400 cm de altura y 300 de anchura. Se trata de la representación de un rostro trabajado bajo los principios pictóricos del nuevo movimiento fauvista.
La figura representada es la esposa del artista y aparece ataviada con una estética que remite a la cultura japonesa: el pelo recogido en un moño alto y una camisa carmesí de cuello pico y cuellos blanquecinos. El rostro aparece dividido en dos partes, los ojos son ligeramente almendrados y están enmarcados por unas gruesas cejas. El fondo, aunque neutro es igual de irreal y está compuesto por cuatro manchas de distintos colores.
No obstante Matisse deja muy atrás la antigua tradición de captar la psicología del personaje a través del retrato, en esta ocasión el artista está más preocupado de la composición cromática que de realizar una verdadera caracterización de su esposa. El dibujo es más bien esquemático, basado en rasgos fundamentales y alejándose de los pequeños detalles que caracterizan el rostro e influido por la reducción de masas que Cezanne ya había aplicado a sus bodegones o paisajes naturales y que incluso podría entroncar con las formas simples que la estética cubista planteará en otro de los movimientos vanguardistas.
El color es el protagonista del lienzo, y son colores vivos y brillantes con un matiz ácido que otorga frialdad a la figura. Siguiendo las pautas fovistas el artista plantea una ruptura entre el colorido y la realidad. La luz o la profundidad apenas son apreciables y han quedado relegadas en pro del intenso cromatismo.
Descripción del autor:fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo Como dibujante , grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente, junto a Pablo Picasso.fľ9
Nombre: El viejo guitarrista ciego
Autor:Pablo Ruiz Picasso
Año de presentación:1903–1904
Estilo:Expresionismo
Interpretación personal: En la presente pintura llegue a persivir una ligera muestra de frialdad y crueldad con el viejo ya que como que lo intentan dar a mostrar como si fuera una persona de la calle, en contexto de la pintura tiene tonos muy apagados y conceptos muy abiertos conforme a la sociedad que había en esos entoces y tambien muestra el fin de una persona y a lo mejor el inicio de alguna otra cosa.
Características de la obra: El cuadro presenta a un anciano, en posición de “Z”, con el cuerpo agachado y la cabeza inclinada, como agobiada por el peso de la oscuridad. Está recostado a la sombra de una pared, con una guitarra en la mano. El hombre viejo, frágil y ciego parece estar inmerso en las tristes melodías con que llena su entorno en la calle. La pintura inicialmente hace sentir tristeza y luego sorpresa por la expresión del rostro del guitarrista al oír la melodía que interpreta. A lo mejor cuando lo observamos pensamos, “pues tiene el cuello muy largo, o la figura es algo plana, la contorsión es algo extremistas ” pero quizás de una forma más real no hubiera sido capaz de mostrar con más sentimiento y melancolía al anciano guitarrista, la hambruna, la soledad, y a pesar de todo la poesía con la que a pesar de su fragilidad toca esa guitarra de líneas onduladas.
Historia de la obra:El viejo guitarrista ciego fue realizado durante el Período azul de Picasso, que abarca desde el suicidio del amigo del pintor, Carlos Casagemas en 1901, hasta su establecimiento en París en 1904, que da origen al período Rosa de Picasso. Durante esta época, Picasso vivía en Barcelona, y se dedicaba a reflejar en sus cuadros la pobreza (que el mismo había experimentado hasta 1902), el aislamiento y el pesimismo con la que se sentía tan identificado. La ceguera pasó a ser un tema recurrente a lo largo de su obra, motivado por su miedo a perder la vista, como le ocurrió previamente a su padre. Recientemente, en el seminario “La época azul: nuevas lecturas a través del estudio técnico” en el Museu Picasso (febrero de 2015), se dieron a conocer una serie de nuevos descubrimientos sobre este cuadro del pintor malagueño. Un estudio del cuadro realizado con luz rasante reveló una serie de bocetos realizados por el pintor antes del resultado final. En ellos se puede observar la imagen de una maternidad, que se encuentra también en una carta de Picasso a Max Jacob. También se ha revelado otro cuadro debajo del esbozo de la maternidad, que muestra una mujer que se encuentra en La Vida. Además de esto, también se han revelado una serie de alteraciones del propio cuadro del viejo guitarrista ciego. con el cuerpo, seco y anguloso, del mendigo, en el futuro los instrumentos de cuerda simbolizarán las formas redondeadas y mórbidas de la mujer.
Descripción del autor:Pablo Picasso pues es considerado como uno de los exponentes más importantes del movimiento, además de haber sido protagonista y creador de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas que surgieron desde el siglo XX, que van desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte hasta la cerámica artesanal.
Nombre:L.H.O.O.Q.
Año de presentación:1919
Estilo:Dadaísmo
Interpretación personal: Es una simple forma de burla a la pintura de Leonardo cuyo significado era diferente al que le da este personaje, tiene como base
Características de la obra:uchamp pinta sin respeto alguno sobre esta obra maestra intocable un bigote, una perilla y además le cambia el título. Al leerlo deprisa en francés, obtenemos la frase “Elle a chaud au cul” (Ella tiene el culo caliente)
Historia de la obra:L.H.O.O.Q. es una obra de arte de Marcel Duchamp realizada en 1919. Es uno de los ready mades de Duchamp. Los ready-mades son objetos que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajenos al arte que se transforman en obras de arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o simplemente los presente a una exposición artística. En L.H.O.O.Q. el objeto es una tarjeta postal barata con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla con lápiz y le puso un título.
Descripción del autor:Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del dadaísmo. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
Nombre: La persistencia de la memoria, de Salvador Dalí
Autor: Salvador Dalí
Año de presentación:1931
Estilo:Surrealismo
Interpretación personal:Tiene como objetos a relojes cuya forma esta desproporcionada y no tiene coherencia, pero la a la ves intenta dar a entender que el reloj se está derritiendo, estos son vistos en una parte de tabique o ladrillo grande de barro, en ramas, un tronco tirado, también se llega a apreciar un lago o mar cristalizado y reflejando un poco la luz del cielo de fondo se puede apreciar una montaña cuyo fin sólo es de decoración ya que no tiene ningún valor en la pintura mas que sólo un paisaje,tiene un piso libre de piedras y liso, colores un poco vividos pero no tan llamativos a la vista sin embargo juega on una perspectiva de la luz, de fondo un lugar brillante con tonos blancos y de frente de la pintura un poco más a Toni obscuros.
Características de la obra:El término fue acuñado por André Breton en el Manifiesto Surrealista de 1924 y se encuentra en el contexto de las vanguardias artísticas europeas, aunque no de las primeras, sino aquellas del período de entreguerras. Con fuerte influencia de las teorías psicoanalíticas de Freud, el surrealismo intenta alejarse de la lógica racional en las producciones artísticas, con miras a develar el subconsciente de los individuos.
El resultado es un arte simbólico, lleno de elementos que salen de la racionalidad y lo evidente. Esto se logra al desnudar los objetos cotidianos de la lógica que los envuelve.
Las obras del estilo surrealista dan pie a diferentes interpretaciones, ya que están cargadas de gran simbolismo y poseen pocas representaciones convencionales de la realidad. La persistencia de la memoria aborda la noción de la temporalidad y de la memoria. Los relojes que se derriten representan el tiempo que transcurre de manera diferente. Al contrario de los relojes comunes, que marcan con precisión el paso de los segundos, estos relojes de Dalí poseen marcas diferentes, pues sus punteros están derretidos y sugieren una noción distorsionada de los segundos.
El único reloj que no está deformado es el que está volteado hacia abajo y tiene hormigas sobre él. A Salvador Dalí no le gustaban muchos las hormigas y solía usarlas como símbolo de putrefacción en sus obras. Esto muestra cómo este objeto cotidiano es despreciado por el pintor bajo la mirada surrealista.
Esta noción subjetiva del tiempo es explorada por Dalí en este cuadro. La propia figura del pintor aparece en la escena durmiendo debajo de un reloj derretido. El lugar del sueño es también el lugar donde la temporalidad asume otras realidades.
Historia de la obra:Este cuadro fue realizado un día en que Dalí se encontraba indispuesto para ir al cine con su mujer y sus amigos. Mientras estaba solo en casa, el artista pintó el que sería uno de los cuadros más famosos de la historia del arte. En efecto, la obra se exhibe en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York desde 1934.
Descripción del autor:Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.
Nombre:3 coke bottles
Autor:Andy Warhol
Año de presentación:1962
Estilo:Pop Art
Interpretación personal:Se muestran 2 botellas de coca-colaun producto que en su momento era uno de los más famosos con algunas referencias al mejor refresco o ala mejor opción para curarse con sus tratamientos médicos que desde sus principios se llegaba a aplicar como un remedio, tieneuna simpleza en su diseño sólo tres botellas bacias con esa tonalidad de el bridrio grueso y con la marca y un poco de información acerca del producto, debajo se puede observar el logotipo más información con tonalidades roj y hasta abajo la creadora de la obra ósea Andy Warhol de colór negro.
Características de la obra: Tiene como base las botellas el letrero, y la nombre de la creadora, información del producto.
Historia de la obra:Esta obra es uno de los diversos cuadros que Andy Warhol, nombre artístico de Andrew Warhola Junior, dedicó al refresco más icónico y famoso de Estados Unidos y del mundo entre los años 1962 y 1964, algunas de cuyas versiones o bien están en manos de coleccionistas privados o en grandes museos como el MOMA de Nueva York.
Descripción del autor:Durante los primeros años de la carrera de Warhol, experimentó con muchos artículos de confitería diferentes, especialmente las latas de sopa Campbell, pero también las botellas de Coca-Cola. Alrededor del mismo período, es decir, entre 1961 y 1963, Warhol produjo numerosas obras de arte inspiradas en Coca-Cola, que ahora han sido reconocidas como una colección de obras de Coca-Cola. Warhol completó la pintura en 1962, como parte de una colección más amplia de arte temático de Coca-Cola.
Las obras de Warhol se caracterizan por la repetición indefinida de un mismo motivo, a veces con pequeñas variaciones de color o de pequeños detalles, y otras veces ni siquiera aparecen esas ligeras modificaciones entre una imagen y otra. En realidad nos presenta esas obras como si fueran fotogramas de una película de cine. Un arte con el que está estrechamente vinculado la obra de Warhol, ya que no hay que olvidar sus series de retratos de Marilyn Monroe o su participación en diversos rodajes cinematográficos.
Nombre:In Praise of Italy
Autor: David Ligare
Año de presentación:1987
Estilo:Iperrealismo
Interpretación personal:Tiene una ligera sutileza en las pinceladas que da un toque de realismo este se llega a mostrar en esas características tas puras en las piedras que se muestran también tiene un poco de ese realismo en el tono del pasto, estas partes son un poco más visibles gracias al sombreado y la atención que tiene el pintor en su entorno de la pintura ósea el lugar desde donde alumbra el sol a los terrenos llenos de vida las piedras y sus texturas, las tonalidades que toma el cielo, las nubes, las ramas y el tronco del árbol.
Características de la obra:A través de la técnica y la composición el pintor expresa contenidos ideológicos -religiosos y civiles-, culturales o meramente plásticos. Estos contenidos tienen su correlato visual en los llamados temas, tratados por los artistas. Sin embargo, el término «tema» lleva implícito un carácter eminentemente figurativo por lo que emplearemos la palabra tipología para designar los contenidos de las obras.
La descripción de las tipologías la realizaremos siguiendo en lo posible un orden cronológico que evidentemente no pretende ser exhaustivo, sino orientativo, incidiendo en las razones económicas, sociales, culturales e ideológicas que cada apartado conlleva.
La Historia del Arte se inicia con una tipología mágica representada por las pinturas del mundo prehistórico. El artista -eminentemente cazador- fija las imágenes de las piezas que pretende cobrar, de manera que su representación gráfica tiene un significado de posesión. Así, su sueño/deseo se convierte en realidad. Este estadio mágico surge a lo largo de la Historia del Arte. Pensemos en las formas del Bosco, o del mismísimo Goya y hasta el mundo de algunos pintores actuales que plasman figuras esotéricas de un gran cripticismo conceptual. A menudo pueden relacionarse con lo onírico.
El arte se convierte en ocasiones en objeto decorativo y como tal tiene significado. Ya no se pretende la copia de la realidad, sino que los elementos tangibles se organizan en composiciones que no explican nada, sino que tan sólo sirven de ornamento. Cenefas, grutescos renacentistas, esgrafiados e incluso geometrismos árabes son elementos complementarios de una espacialidad arquitectónica. Podemos hablar así de arte aplicado, carente de significación propia. Sin embargo, la gran división tipológica, que incluye a otras muchas, se centra en lo religioso y lo civil.
Historia de la obra:
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